Cinéfinlande

Issu des studios Pixar auxquels on doit déjà entre autres l’excellent TOY STORY 2, du même Andrew Shanton, c’est presque sans surprise que FINDING NEMO se révèle être un petit chef d’œuvre.

Champion de l’animation numérique, Pixar présente ici une véritable merveille. Le film ne se contente pas d’être plastiquement admirable (la grande barrière de corail est hallucinante), il se montre aussi intelligent, désopilant, chaleureux et même un peu dramatique.

Scénario sans failles, personnages pittoresques et attachants, humour loufoque, attention obsessionnelle aux moindres détails, FINDING NEMO constitue un enchantement pour les yeux comme pour l’esprit.

La poursuite (entrecoupée d’une escapade aux Galapagos) à laquelle se livrent les deux bateaux, devient vite un peu soporifique. Ce qui intéresse ici, c’est l’équipage et ses personnages. Le film réussit brillamment à faire revivre une époque où la politesse et la distinction ne se réduisaient pas à une guirlande famélique mais étaient non seulement une manière de vivre, mais aussi un gage de respect. Ainsi à la brutalité du quotidien s’opposent les intermèdes musicaux auxquels s’adonnent le capitaine et le docteur. Et dans chacune des situations hautement dramatiques qui ne manqueront pas de ponctuer leur voyage, ces messieurs persisteront à s’envoyer du « Mister … could you please… ». Cet aspect du film, particulièrement rafraîchissant, laisse rêveur.

Ceci étant peut-être la conséquence de cela, on peut sans doute regretter que l’équipage soit si soumis et si lisse. Comme microcosme de la société, le navire fonctionne moyennement. On aurait aimé qu’il y ait un peu plus de défiance, un peu plus de révolte. Cet équipage idéal avec ses distingués cadets et son noble prolétariat ne manque pas de diversités mais manque singulièrement de reliefs.

Comme souvent, Peter Weir évite bon nombre de clichés et se détourne de toute lourdeur. Ce grâce à quoi par exemple THE DEAD POETS SOCIETY (1989) près de quinze ans après sa sortie n’a toujours pas pris une ride. On souhaite la même longévité à MASTER AND COMMANDER, même si paradoxalement on sent que ce n’est pas Russel Crowe qui pourra détrôner Robin Williams dans le rôle de « O captain, my captain »…

Le réalisateur a un solide passé d’art designer et le moins qu’on puisse dire est que ceci ne passe inaperçu. Baignant d’un bout à l’autre dans une tonalité à la fois blafarde et gris bleuté, UNDERWORLD est peuplé de vampires vêtus de noir et armés jusqu’aux dents.

Le film de Len Wiseman se présentait pourtant comme un projet plutôt engageant : une sorte de BLADE (1998) ultra-gothique débarrassé de cet épuisant (et sans doute épuisé) humour second degré.

Mais, contre toute attente, UNDERWORLD se transforme rapidement en film de zombies tant les acteurs peinent à insuffler la moindre once de vie à leurs personnages. Seul Bill Nighy parvient à survivre au naufrage collectif de cette interprétation et/ou distribution désolantes.

Tout comme les acteurs leurs personnages, le film se montre incapable de faire vivre son scénario et reste prisonnier d’une image gothique épouvantablement bidimensionnelle.

Dans toute boîte de chocolats, il y en a un ou deux que tout le monde s’arrache et une multitude d’autres qu’on mange poliment, sans se plaindre si on ne veut pas gâcher la fête. Et c’est précisément ce qu’on découvre sous l’affiche de LOVE ACTUALLY. Le film fait défiler trop de personnages et n’a plus assez de temps à consacrer aux meilleurs d’entre eux. Qui trop embrasse, mal étreint.

Scénariste de films aussi réussis que FOUR WEDDINGS AND A FUNERAL (1994), NOTTING HILL (1999) ou BRIDGET JONES (2001), Richard Curtis signe ici sa première réalisation. Pour l’occasion, il a réuni une galerie d’acteurs à faire pâlir l’Olympe. Mais inévitablement avec tant de stars qui jouent en parallèle, LOVE ACTUALLY se met très rapidement à ressembler à une compilation de bandes annonces.

Bref, déception, déception. Ca sent le film de saison, la commande, le tiroir-caisse et un peu la complaisance aussi. Par moments, on se demande si Richard Curtis s’auto cite, s’adresse des clins d’œil ou simplement se répète.

Dans les rôles des chocolats qu’on devrait s’arracher : Bill Nighy, celui-là même qui a survécu à la catastrophe maritime d’UNDERWORLD, resplendissant dans son personnage de chanteur has been sur le retour et Laura Linney, tout simplement poignante en chocolat amer. Quoique bien isolés dans cette boîte trop grande, ces deux-là sont un vrai régal.

Le film dénonce un système social fondé sur la loi du plus fort. La violence comme moyen d’inculcation de l’ordre social, la violence comme moyen d’annihilation de toute forme de révolte. Peut-on y résister ou n’a-t-on d’autre choix que de se soumettre et de devenir ainsi, pour avoir cautionné le système, complice de son propre tortionnaire ?

La Finlande tient dans le film un rôle important. Le personnel de cuisine de l’internat est composé de Finlandaises. Et c’est auprès de l’une d’entre elle que le héros trouvera un peu de réconfort.

Jan guillou aurait pleuré en voyant en le film. N’est-ce pas là un gage de réussite ?

Alors qu’Anthony Hopkins et Nicole Kidman livrent tous deux d’excellentes prestations, on peut cependant légitimement penser que ni l’un ni l’autre ne constituaient un choix incontestable pour leurs personnages. Pour des raisons claires que le film se chargera de vous dévoiler, Anthony Hopkins a, malgré tout son talent, du mal à convaincre. Quant à Nicole Kidman, elle aurait sans doute été avantageusement remplacée par une actrice au physique plus banal.

Même si ces erreurs de distributions sont en partie compensées par le plaisir de voir les deux acteurs se donner la réplique, elles ne favorisent pas la crédibilité des personnages. Ajoutons à cela Gary Sinise. Il ne se contente pas d’être la voix-off du film mais il est aussi une aberration : un personnage sans aucune fonction dramatique claire, un élément parfaitement inutile. Bref, peu à peu on se désintéresse de ce film qui malgré quatre intrigues différentes qui se succèdent ne parvient jamais à prendre de relief.

Toute une portion du film constituée de Flash-back, au cours desquels le vieux professeur se remémore sa jeunesse, se chargera de révéler au spectateur somnolant le terrible secret du vieil homme. Sans même parler du problème de rythme, le défaut principal de cette partie du film est d’avoir choisi un acteur qui ne rappelle en rien, mais absolument en rien, Anthony Hopkins. Et c’est regrettable car, pour la raison que le film se chargera de vous dévoiler, l’apparence physique du professeur joue un rôle essentiel.

Avec sa distribution stellaire, son réalisateur oscarisé (KRAMER VS KRAMER, 1979), son directeur de la photo français, feu Jean-Yves Escoffier, THE HUMAN STAIN est certes un film soigné mais aussi un film raté.

Si le film fait très peu rire, c’est d’abord parce qu’il embarrasse. Quoique sans doute plein de bonnes intentions, BRINGING DOWN THE HOUSE ne parvient cependant qu’à renforcer les clichés raciaux les plus paresseux. Le résultat est si clairement contraire à l’objectif apparent qu’on ne peut qu’être gêné du spectacle de ces deux tristes caricatures : un petit bonhomme blanc hyper stressé et une grosse bonne femme noire hyper « cool ».

Comble de la complaisance, l’interprétation de Queen Latifah laisse penser que le réalisateur s’est totalement désintéressé de la direction d’acteur. Rarement amusant, souvent ridicule voire parfois offensant, Steve Martin est lui aussi en roue libre. Egal à lui-même.

Minuscules îles perdues dans un océan inhospitalier, les quelques scènes où un Eugene Levy halluciné dévore des yeux et des mots la pulpeuse noire constituent les seuls moments de réconfort d’un spectateur sinon bien malmené.

Dès les premières images, entre l’oppressante montagne blanche qui domine le village et le mur de neige qui empêche Noi de sortir de chez lui, le sentiment de captivité est palpable. S’ajoutent à ça plusieurs moments de comique désespéré comme le père alcoolique de Noi dont la chanson préférée est IN THE GHETTO d’Elvis Presley.

Même si son physique l’en rapproche, Noi n’est pas un véritable albinos. C’est un grand garçon osseux et chauve dont l’air dur entre en contraste avec une espèce de désespoir bon enfant. Ce qu’illustre parfaitement la musique, signée par le réalisateur lui-même, qui évoque une sorte de paradoxale rébellion contemplative. Semblant se dérouler dans des années 70 qui auraient oublié de passer et pétri d’un humour décalé qui frise la poésie, NOI ALBINOI fait souvent du pied à l’univers d’Aki Kaurismäki.

Malgré la glace qui emprisonne, la montagne qui écrase, et la mer qui entoure, Noi cherchera par tous les moyens à s’affranchir de cet univers dans lequel il étouffe. Mais quand chacun de ses actes, même les plus extrêmes, aura sombré dans le dérisoire, la liberté viendra s’offrir à lui
de manière aussi tragique qu’inattendue.

Par rapport au précédent, la supériorité de ce dernier volet est double. D’abord, il se déroule principalement dans la réalité, le monde des machines, et non dans le Matrix. Ceci permet aux personnages de laisser aux vestiaires manteaux, lunettes et froideur grotesque. Ensuite, même si c’est d’une manière parfois obscure, l’histoire progresse réellement.

Passé la première heure, le film abandonne heureusement à leur triste sort les risibles Neo, Trinity, Morpheus et Mifune (sic) personnages qui en deux ou trois films ont réussi l’exploit de devenir leurs propres caricatures et propose une longue et admirable bataille : Zion contre les machines. Pour défendre leur dernier repaire, les hommes investissent leurs machines de guerre, sortes de titans mécaniques qu’ils contrôlent un peu à la manière dont Actarus pilotait Goldorak. Ces incroyables robots à la maladresse touchante sont opposés aux tentaculaires et innombrables « sentinels », immondes pieuvres électroniques. L’épique bataille sera suivie d’un impressionnant duel final qui opposera Neo à son alter ego l’agent Smith. Sous une pluie battante, les deux combattants joueront à SUPERMAN sur terre, dans les airs et même sous l’eau.

Comme rien n’a été prévu pour raccrocher les wagons, si vous n’avez pas vu l’épisode précédent, vous serez certes un peu perdu mais au fond qu’importe ; il est sans doute prudent de ne pas fouiller trop profondément dans le Matrix. Si le film original était brillant c’est qu’il reposait sur une idée aussi séduisante que nébuleuse. En essayant d’expliquer le mystère on anéantit toujours (et ce, même si l’explication est convaincante…) une bonne part de la séduction. Mais, apparemment, deux films supplémentaires n’ont pas servi de leçon aux frères Wachowsky. Même si le motto de THE MATRIX REVOLUTIONS est « Everything that has a beginning has an end » la fin du film laisse entrevoir la possibilité d’une suite…

Nageant dans le rose et la guimauve, à première vue notre blonde héroïne ne semble guère se distinguer de ses congénères en pilosité, protagonistes d’innombrables blagues cruelles. Mais ce serait aller trop vite car l’idée centrale du film peut être ainsi résumée : ce n’est pas parce qu’on est abruti qu’on n’est pas intelligent. Alors bien sûr, comme développer un tel postulat n’est pas simple et que le film, lui, l’est à l’excès, on fonce, sans détour, droit dans un mur d’idioties.

Capitol Barbie, comme la surnomme ses collègues, attendrira les politiciens endurcis de Washington, déjouera les manigances machiavéliques et obtiendra gain de cause. Aussi absurde que paraisse ce scénario, on pourrait avoir la consolation de se dire qu’il s’agit d’un conte de fées. Malheureusement ce genre nécessite au moins une infime dose de merveilleux et ici c’est la vulgarité, élevée au rang de délicieux petit travers, qui, sans partage, prend sa place.

Confondant innocence et stupidité, LEGALLY BLONDE 2 lorgne lourdement vers Capra mais ne parvient jamais à se métamorphoser en MS SMITH GOES TO WASHINGTON.

Les ombres de Howard Hawks et de Frank Capra planent sur INTOLERABLE CRUELTY qui se présente comme un hommage aux comédies des années trente ou quarante. George Clooney, sa gestuelle et son énergie évoquant d’ailleurs irrésistiblement le fantôme de Cary Grant.

Composé de moments plutôt faibles mais aussi de scènes amusantes et désopilantes, INTOLERABLE CRUELTY constitue un costume dans lequel on sent souvent les frères Coen un peu à l’étroit. A tort ou à raison, il est difficile de s’empêcher de penser qu’ils sont maintenus dans un carcan « mainstream » par les deux scénaristes avec qui, au moins au générique, ils partagent l’écriture du scénario.

Ceci dit, ce qui sauve le film, c’est qu’inévitablement à deux dans un costume les coutures finissent par céder en certains endroits : une étonnante et authentiquement coenienne collection de personnages loufoques envahit le film et arrache magistralement le spectateur à une torpeur menaçante.

Même si on est ici très loin de MILLER’S CROSSING (1990), BARTON FINK (1991) ou FARGO (1995), INTOLERABLE CRUELTY constitue cependant une comédie fort honorable dotée, de plus, d’un charmant générique.

Le dossier de presse ne cache pas la stratégie du film. HYMYPOIKA a une cible : les 15-24 ans et des modèles PAHAT POJAT et LEVOTTOMAT. Tel une pizza cinématographique tentant, à l’intérieur du public choisi, de plaire au plus grand nombre, il se compose de nudité, de sexe, de voyeurisme et de provocation.

En plus de ces ingrédients douteusement agencés il se singularise par une galerie de personnages aussi détestables que peu crédibles. C’est donc en vain que le film tentera de se transformer en tragédie. Car de protagonistes abjects il y a foison mais de héros tragique, il n’y a point.

Très complaisant et moralement ahurissant, HYMYPOIKA fait bien sûr penser à la télé réalité mais aussi à Hollywood. Quoique se situant esthétiquement à des années-lumière des films hollywoodiens, il partage cependant avec ceux-ci l’obsession de plaire au plus grand nombre : cette idée qu’on peut vendre un film comme un yaourt ; qu’une fois le public identifié, un emballage accrocheur (l’affiche), une campagne de marketing et quelques ingrédients de base devraient pouvoir faire l’affaire. Les producteurs attendent 250 000 spectateurs. Voyons.

Quoique pétri d’une poésie de supermarché, littéralement, le film fourmille de belles trouvailles qui semblent malheureusement obstinément en porte-à-faux avec la gravité du sujet. Et on a du mal à croire qu’à pareille nouvelle quiconque (et encore moins une jeune femme de 23 ans) pourrait réagir avec tant de sang-froid.

L’interprétation de très bon aloi emmenée par l’excellent Mark Ruffalo comporte une étonnante prestation de l’ex-Blondie Deborah Harry. Elle joue magistralement la mère du personnage principal, femme rongée par l’amertume de ses rêves brisés.

Film espagnol, tourné au Canada avec des acteurs américains, MY LIFE WITHOUT ME est sympathique là où BROIDIT (film au sujet proche), moins précieux, moins immature et plus sobre, parvenait à être émouvant.