Cinéfinlande

Cinq personnes créditées pour l’histoire et le scénario (on peut donc raisonnablement penser qu’avec les « non-crédités », au bas mot dix individus se sont retrouvés à écrire pour ce projet), le film est, comme on peut s’y attendre, totalement dénué de personnalité. C’est du cinéma-pizza : un peu de conspiration, beaucoup d’aventures, une histoire d’amour, de la comédie, des stars, du salami et beaucoup de fromage.

Souvent le scénario défie la logique la plus élémentaire et ce n’est pas par de brillants paradoxes. Nicolas Cage (curieuse et contrastée carrière que la sienne !) livre une prestation à la limite du ridicule. La première fois qu’il tente de résoudre une énigme, on jurerait avoir affaire à une production de Zucker et Abrahams. Alors quand on comprend que non, le film n’est pas une parodie, on a un peu mal pour Nicolas!

Si on aime Monsieur Cage, mieux vaut ne pas se faire mal et oublier ce film. Si on aime les sociétés secrètes et les conspirations ancestrales, mieux vaut attendre la version cinématographique de THE DA VINCI CODE qui devrait être réalisée par Ron Howard (et interprétée par Tom Hanks) l’année prochaine.

La comédie musicale d’Andrew Lloyd Weber date de 1986. Caractérisée par un scénario extrêmement mince, des décors et des costumes clinquants et des chansons surproduites, elle correspondait sans doute aux tendances de son époque et elle a connu pendant de nombreuses années un grand succès.

La version cinématographique reprend donc l’original, l’agrémentant d’un prologue et d’un épilogue gothiques à souhaits et d’un flash-back passablement ridicule sur l’histoire du fantôme.

A l’image des chansons, et encore plus que la version scénique, celle de Joel Schumacher se caractérise par un excès systématique : décors, costumes, sentiments, tout déborde d’une richesse si outrancière qu’elle en devient rapidement vaine.

Si le film a un mérite, c’est sans doute celui de restituer l’esprit de l’oeuvre original : creux, clinquant et au final un peu écoeurant.

Ville portuaire, Kotka constitue une véritable porte ouverte sur l’extérieur pour nos jeunes protagonistes qui fréquentent des marins de toutes origines. A un âge où on découvre le monde, nos jeunes héros peuvent donc le faire dans un contexte privilégié. Beau, prometteur et enthousiaste, le personnage principal interprété par Mikko Leppilampi symbolise à merveille son époque.

Même si le scénario ne parvient pas toujours à passionner, le spectateur quitte la salle empli de bonne humeur et d’énergie positive. Il est agréable de pouvoir ressortir d’une salle de cinéma projetant un film finlandais sans se sentir écrasé par le poids insupportable d’une société oppressante.

Bien sûr, on peut aussi considérer que le film décrit une sorte de paradis perdu et contient donc, en creux, une condamnation de la société telle qu’elle a évolué en quarante ans. Bref, rassurons tous les mélancoliques, il y a quand même, là, matière à nourrir son spleen.

Adaptation cinématographique du livre de Leena Krohn, PELIKAANIMIES traite aimablement de l’innocence de l’enfance et des misérables prisons dans lesquelles nos sociétés modernes enferment les adultes.

Si Kari Ketonen incarne brillamment le pélican, le véritable atout du film a pour nom Roni Haarakangas. Le petit garçon, séduisant et confondant de naturel, se révèle un acteur extraordinaire.

Avec un immeuble Art Nouveau en guise d’habitation et le Théâtre National comme lieu de travail, le film présente une version particulièrement sympathique de la capitale finlandaise. Peuplé, en plus de nos deux protagonistes, d’une concierge acariâtre, d’un gentil facteur, d’un portier bienveillant et d’une danseuse étoile, Helsinki prend l’allure chaleureuse d’un village idéal.

Spectacle familial de bon aloi, PELIKAANIMIES devrait satisfaire les petits sans faire grincher les grands !

L’étonnante tension dramatique du début s’abîme dans une parenthèse où d’inutiles flash-back se lisent comme un menu de scènes révoltantes. Le film perd alors tout rythme narratif et l’horreur elle-même, victime d’un montage en accéléré tend à terriblement s’atténuer. Et puis, cerise empoisonnée sur un gâteau de moins en moins appétissant, l’acteur principal, Cary Elwes, après avoir été passablement irritant, verse carrément dans le ridicule. Ilot d’humour (involontaire) dans un océan de sadisme, sa prestation fera date !

Si le premier long métrage de James Wan ne parvient pas à être aussi perturbant qu’il le souhaiterait (il est toutefois, même en l’état, à fortement déconseiller à tous ceux qui n’auraient pas le cœur bien accroché…), il le doit en partie, comme on l’a vu, à Cary Elwes mais aussi à son scénario (écrit par l’autre prisonnier de la salle de bains, Leigh Whannell) qui ne parvient pas à inscrire ses scènes épouvantables dans une dynamique narrative. C’est un peu comme si les bonus d’un DVD constituaient le coeur d’un film !

SAW est symptomatique d’une certaine tendance du cinéma américain pour laquelle un début sensationnel et une fin inattendue (et il faut bien reconnaître que celle-ci, on ne la voit pas venir !) semblent avoir infiniment plus de valeur que la trame narrative elle-même.

Film en trois temps, SAVED! commence comme un film original, pour ensuite virer un temps dans la satire féroce et finalement s’abandonner complètement dans la comédie commerciale.

Sur le plan de la forme, on peut mettre à l’actif de SAVED! que, pour une fois, non seulement les acteurs ressemblent à de vrais adolescents et non à des gravures de mode ou à des caricatures, mais qu’en plus ils sont plutôt bons.

Ceci étant, les dits acteurs incarnent les personnages immuables de ce genre de comédie, The good (le personnage principal), the bad (son amie dont elle percera à jour la superficialité et l’égoïsme) and the ugly ( en fait uglies puisque’il s’agit de deux « misfits » qui bien entendu deviendront les amis de l’héroïne).

Le culte de Jésus se superposant à celui de l’apparence physique, SAVED! ressemble à s’y méprendre à MEAN GIRLS (2004). En moins drôle.

Incapable d’exploiter son étonnant point de départ, le scénario ne permet même pas au spectateur de profiter de l’ambiguïté de la situation (est-elle folle ? Est-elle victime d’un complot ?) mais se dépêche de lui asséner sa puérile vérité.

Le film serait sorti il y a 15 ans, il aurait pu générer un culte. Mais aujourd’hui, après des années de X-FILES et les six films de M. Night Shyamalan, THE FORGOTTEN ne peut dissimuler ses disgracieuses formes sous les habits du culte. Il n’est rien d’autre que ce qu’il est : un thriller reposant sur un scénario et des personnages indigents.

Et même si on a toujours plaisir à voir Julianne Moore et que le film réserve une ou deux scènes visuellement inattendues, il suffira d’attendre quelques mois pour s’apercevoir que la plus grande réussite de THE FORGOTTEN, c’est son titre. On ne saurait trouver plus approprié.

Ce film de série B bénéficie d’un point de départ imaginé par Larry Cohen (qu’il avait d’ailleurs déjà utilisé dans PHONE BOOTH (2003)) : un jeune homme se retrouve par hasard et par l’intermédiaire de son portable le seul lien entre une inconnue kidnappée et le monde extérieur.

Thriller efficace et film d’action spectaculaire, CELLULAR, conscient de ne pas en avoir les moyens, ne se prend pas au sérieux et n’hésite pas à verser par moments dans la comédie. C’est du pur divertissement émaillé de morceaux gros à avaler mais aussi de quelques surprises bienvenues.

Narrativement, CELLULAR se déroule en quelques heures et se développe au gré des caprices d’un téléphone. Utilisant à un moment ou un autre chacune des fonctions du portable mais aussi chacun des problèmes quotidiens auxquels se heurtent les utilisateurs (batterie à plat, problèmes de réception…) CELLULAR dresse un portrait assez complet de son insolite personnage principal.

Et, ce qui ne saurait rien gâter pour la santé économique de notre merveilleux pays d’accueil, le téléphone qui sauve des vies, le téléphone qui change les vauriens en héros intrépides, bref, le téléphone qu’on se doit de posséder, c’est un Nokia !

Film à la SHORT CUTS (1993) (qui a fini par véritablement créer un « méta genre »), NOEL se distingue pourtant clairement du film de Robert Altman par son artificialité.

Il est en effet bien difficile de croire à ces personnages écorchés en recherche d’amour, de rédemption ou de foi. Le trait paraît toujours forcé et l’interprétation ne fait pas dans la finesse. Même l’excellente Susan Sarandon ne s’en sort que de justesse. Sans compter que la structure narrative choisie, loin d’enraciner les personnages dans la réalité du quotidien, souligne encore davantage la facticité de l’ensemble.

Incontestablement film de saison, NOEL clora chaque ligne narrative en la noyant dans une miraculeuse guimauve sirupeuse. Un rien écoeurant!

Dans BRIDGET JONES’ DIARY (2001), le personnage principal, aussi amusant et pitoyable qu’il soit, gardait toujours un fond d’humanité qui le rendait sympathique. Ici, en revanche, on finit franchement par se demander ce que l’élégant Mark Darcy peut trouver à une Bridget transformée en prétexte à gags plus ou moins ratés au point d’en être complètement déshumanisée.

S’il est vrai que THE EDGE OF REASON se résume narrativement à une pâle copie du film original, il présente cependant une différence majeure : ici, dès le début, Bridget et Mark vivent ensemble. Conséquence : l’impression indélébile que le film n’avance pas. La plupart des oeuvres narratives vont d’un point A à un point B, THE EDGE OF REASON se contente d’aller d’un point A à un misérablement proche point A’. Finissant le film comme ils l’ont commencé, les personnages donnent au spectateur la sérieuse impression d’avoir perdu son temps.

Bref si l’envie vient d’une dose cinématographique de Bridget, on serait mieux avisé de regarder à nouveau le film original que de s’infliger ce bien pauvre ersatz !

Ming (Andy Lau) l’espion de la Triade qui a infiltré la police et désire ardemment couper les liens avec les gangsters pour enfin et définitivement faire partie des bons, se retrouve rongé par la culpabilité et la paranoïa. Il commence à voir des fantômes. Et le spectateur aussi.

Le film se déroule un peu avant la fin de INFERNAL AFFAIRS et un peu après. Les constants va-et-vient narratifs se révèlent suffisamment déroutants pour permettre au spectateur qui finira déconcerté et épuisé d’entrer pleinement dans la peau de Ming…
Malgré le panache de sa réalisation, INFERNAL AFFAIRS III constitue une addition bien inutile aux deux opus précédents. La longueur et la complexité du scénario ne parviennent pas à dissimuler la lilliputie de l’histoire.

Constitué d’une cascade de gros-plans, d’un mélange d’images et d’un rythme insupportablement saccadé, le film de Tony Scott approche parfois l’illisible. Et pourtant malgré son montage à la rapidité lucky lukienne, le film n’en finit plus. Le spectateur sentira passer chacune de ces longues 149 minutes!

Nettement divisé en deux parties, MAN ON FIRE ne finit pas par la meilleure. Sombrant dans l’ultra violence dans sa deuxième moitié, le film transforme Denzel Washington en assassin impitoyable exécutant en série avec imagination et sadisme les méchants de tout poil. Trop charmant pour être convaincant, Monsieur Washington se donne du mal en vain.

Doté malgré tout d’une dimension épique et de belles images, quand on a le temps de les voir, MAN ON FIRE aurait pu faire, avec une réalisation plus sobre, un acteur plus féroce et 30 minutes en moins, un beau film sur la rédemption!

Très impressionnante, Eszter Bagaméri porte ce film sur ses jeunes épaules. A la fois touchante et animée d’une volonté sans failles, le talent de la jeune actrice semble rayonner sur l’ensemble de la distribution. Le film offre d’ailleurs la possibilité de voir deux des acteurs finlandais les plus célèbres se livrer à un exercice insolite.

En effet, coproduction finno-austro-hongroise, VAIETUT SALAISUUDET n’a pas hésité à faire doubler Kati Outinen ou Peter Franzén qui se retrouvent l’un et l’autre dépossédés de leurs voix. Ils parlent certes ainsi un hongrois impeccable mais au prix d’un doublage… douloureux !

Remake de L’APPARTEMENT (1996), film français de Gilles Mimouni, WICKER PARK a choisi de remplacer Vincent Cassel par Josh Hartnett ! Choix funeste s’il en fut.

Certes le casting n’est pas des plus réussis et le niveau moyen de l’interprétation s’en ressent sérieusement mais Josh Hartnett… Aussi peu convaincant en businessman qu’en amoureux transi, pour ceux qui avaient encore des doutes, le jeune premier américain dessine ici de claires limites à son talent.

Pourtant, reposant sur des coïncidences incroyables et sur la bêtise effroyable de ses personnages, le film n’avait d’autre choix que d’avoir une interprétation de tout premier ordre pour faire passer l’énorme pilule.

Reste cette étrange et hitchcockienne atmosphère imprégnant le début du film qui laisse penser pendant un petit moment que WICKER PARK pourrait basculer dans le fantastique, ce qu’il ne fait jamais. A aucun niveau.

Alors que le film de super héros semble s’imposer comme une tendance hollywoodienne lourde et qu’on pensait avoir déjà vu le pire en la matière, CATWOMAN donne au genre une nouvelle limite inférieure.

Ignorant aussi bien l’aspect narratif de son film que la direction des comédiens, Pitof semble s’intéresser exclusivement à la virevolte de caméra et à l’effet tape-à-l’œil. Si ce fut déjà le cas avec VIDOCQ (2001), il est ici un peu plus difficile de lui en vouloir tant le scénario est affligeant et les personnages squelettiques.

Halle Berry fait peine à voir. Sa démarche, son accoutrement et ses « ronronnements » semblent sortir directement des fantasmes d’un adolescent boutonneux. Embarrassant.

Même si comparé à CATWOMAN, EXORCIST : THE BEGINNING, sorti la semaine dernière, prend des allures de chef-d’œuvre, force est de constater que l’exil ne vaut rien à nos deux représentants. Le Français comme le Finlandais serait bien avisé de revenir sur leurs terres.

Empruntant au film noir, aux comics des années 40, aux couvertures des romans « pulp fiction », SKY CAPTAIN AND THE WORLD OF TOMORROW développe une esthétique qui à elle-seule évoque un monde en partie oublié mais toujours accessible, celui de la prime adolescence avec son lot de mystère, de magie, de romance et d’aventures.

Le film constitue une véritable révolution technique puisque seuls les acteurs sont réels. Placés devant des écrans bleus, ils ont gesticulé sur des plateaux quasiment vides, tous les décors ayant été ajoutés ensuite sur ordinateur ! Techniquement presque impeccable (Kerry Conran a passé une dizaine d’années de sa vie sur ce projet !), SKY CAPTAIN AND THE WORLD OF TOMORROW ne devrait pas tarder à être imité.

L’avantage du procédé consiste bien sûr à laisser libre cours à l’imagination sans se soucier des contingences matérielles. Ainsi, ceci a permis à Monsieur Conran de créer une ville qui flotte dans les nuages, un monde sous-marin, un zeppelin accroché à l’Empire State Building ou encore des robots démesurés qui font trembler les villes. SKY CAPTAIN AND THE WORLD OF TOMORROW ressemble à un périple à la Indiana Jones en plus radicalement stylisé mais malheureusement aussi en nettement moins palpitant.

Le scénario constitue le seul véritable échec du film. Même si dans une certaine mesure on peut considérer sa faiblesse ainsi que celle des dialogues comme inhérente au genre, il n’en est pas moins vrai que le spectateur finit par se désintéresser un peu de l’intrigue et de ses personnages qui se tiennent en équilibre entre pastiche et hommage respectueux.

L’irrésistible charme du film de Monsieur Conran se situe ailleurs. Il nous rappelle qu’il y eut une époque innocente où notre présent d’aujourd’hui n’était qu’un rêve dans lequel les bons s’opposaient aux méchants. SKY CAPTAIN AND THE WORLD OF TOMORROW, c’est la nostalgie de la science fiction d’hier.

Constituant une sorte de long flash-back où un Cole Porter vieillisssime assiste en la commentant à la représentation de sa propre vie, DE-LOVELY propose une biographie chronologique du compositeur dont les différents segments sont introduits par un numéro théatralomusical .

Encore plus film d’époque, que film musical, DE-LOVELY bénéficie d’une production méticuleuse. Décors et costumes de tout premier ordre font revivre brillamment, des années 30 aux années 50, un monde où on serait bien en mal de trouver une seule référence aux événements majeurs de l’époque. Il s’agit là d’un univers de privilégiés qui érige l’insouciance en manière de vivre. A l’instar de la production, l’interprétation réalise aussi un sans-faute.

Histoire d’amour atypique, DE-LOVELY traite des étonnants sacrifices dont une femme amoureuse d’un artiste semble capable. Si le compositeur américain, tiraillé entre la musique, sa femme et son homosexualité parvient à laisser de lui une image de courtoisie et d’honnêteté (parfois jusqu’à la cruauté), il le doit à sa femme, qui, elle se contentera de naviguer entre l’abnégation et la générosité (jusqu’à ses limites).

Cerises sur le gâteau, le film contient son lot de chansons du maître interprétées par des Robbie Williams, Elvis Costello, Alanis Morrisette ou encore Sheryl Crow en costumes d’époque.

PIECES OF APRIL n’est pas le premier scénario de Peter Hedges, on lui doit ceux de WHAT’S EATING GILBERT GRAPE (1993) (d’après son propre roman) et de ABOUT A BOY (2002). Mais il s’agit là de sa première réalisation. Et le moins qu’on puisse dire, c’est qu’il se démarque de l’esthétique polie de ces deux premiers films.

Tourné en vidéo numérique, PIECES OF APRIL permet au spectateur de s’identifier facilement, que ce soit aux personnages ou aux images. A cette saisissante impression de proximité, de réalité participent aussi bien sûr la mise en scène (la grande scène d’exposition nous est épargnée et on comprend vraiment de quoi il retourne environ une demi-heure après le début du film) et l’interprétation.

Certes l’excellente Patricia Clarkson semble flotter au-dessus du lot, faisant admirablement osciller son protagoniste entre désespoir et cruauté mais on serait bien en peine de trouver un véritable point faible à cette jolie galerie de personnages.

Inspiré au réalisateur par le propre décès de sa mère, PIECES OF APRIL parvient à être très touchant sans jamais versé dans le sentimentalisme.

Si la famille constitue son thème central, le film de Monsieur Hedges ne s’y limite pas. Il traite aussi plus généralement de la découverte de l’autre à travers le mélange des races et de la nécessité de se construire des souvenirs parce que le temps passe.Vite.

Incarné par l’étonnant Billy Bob Thornton, le Père Noël de BAD SANTA passe son temps, entre autres vices, à jurer, boire du bourbon, se comporter de manière exécrable avec les petits enfants et cambrioler les grands magasins à l’aide d’un nain noir.

Comme film de Noël, on a fait plus consensuel ! Quoique BAD SANTA ne constitue pas une typique comédie familiale (et loin s’en faut), le film de Monsieur Zwigoff suit malgré tout un schéma classique. Sans jamais verser dans la sentimentalité, il fait cependant lentement mais sûrement cheminer l’abominable Père Noël vers sa propre rédemption.

Les dialogues réjouiront immensément les amateurs d’humour sans pitié et les ennemis du politiquement correct. Spectacle de Noël pour misanthropes, BAD SANTA constitue une surprise aussi agréable qu’inattendue.

Une diabolique conspiration à très grande échelle menace le pays. Plus qu’un énième complot pour accéder à la Maison Blanche, THE MANCHURIAN CANDIDATE utilise un scénario peu banal pour concocter un thriller fascinant. Son seul défaut bien sûr, est qu’un tel film existe déjà et qu’il a durablement marqué les années 60!

L’excellent film de John Frankenheimer avait pour cadre la guerre froide, celui de Monsieur Demme se déroule dans notre monde d’aujourd’hui ou de tout à l’heure, celui des multinationales impitoyables et toutes puissantes.

Avec son point de départ énorme et ne parvenant pas à se débarrasser de son modèle, THE MANCHURIAN CANDIDATE baigne dans une sorte de sympathique atmosphère nostalgique évoquant les films de science fiction du passé.

Un an après la sortie du film prémonitoire de Monsieur Frankhenheimer, Kennedy était assassiné, les paris sont ouverts sur ce que nous réserve la version de Jonathan Demme.